Après être sorti en Argentine et dans d’autres pays d’Amérique Latine et en Espagne, El presidente arrive sur les écrans français. Le portrait ambigu d’un président “normal”.

Avec une interprétation particulièrement efficace de Ricardo Darín qui interprète le président récemment élu d’Argentine Hernán Blanco, El presidente brosse un portrait désacralisé d’un chef d’état qui affronte son premier grand défi : obtenir un accord commercial pétrolier entre pays latino-américains afin de mieux affronter les Etats-Unis.

Ce qui pourrait être un premier succès politique se transforme peu à peu en un thriller psychologique sur fond de graves problèmes familiaux qui surgissent en plein sommet politique. D’un côté il doit affronter les mécanismes tragicomiques du pouvoir en Amérique Latine, sans être sûr de vouloir en faire partie, et de l’autre il doit faire face à une plainte de son propre gendre dans le cadre d’une affaire de corruption. Il cherche alors à convaincre sa fille (Dolores Fonzi) de convaincre à son tour son époux pour qu’il retire sa plainte. Mais cette fille se rebelle d’une façon violente contre l’autorité du père mais aussi du mari.

Une des grandes qualités du film se retrouve dans son casting, dans le choix de Ricardo Darín bien sûr mais aussi des acteurs de second rôle. Darín arrive à donner ce ton d’authenticité et d’ambiguïté qui déclenche le doute chez le spectateur : qui peut dire s’il s’agit de la réalité ou de l’imagination d’un président dont la raison est en train de vaciller ?

El Presidente est un film impossible à “spoiler” (et cela peut apparaître comme une de ses faiblesses) car sa fin est très ouverte et donne libre cours à l’interprétation du spectateur. On ne sait pas si ce président finira par trouver une solution “normale et modérée” à tous ses conflits ou s’il va “exploser” dans une crise violente dont personne ne sortira indemne. Le recours à une fin ouverte pourrait paraître comme une solution facile ou de dernier recours… une solution de dernière minute, ou une fuite… deux éléments qui ne sont pas non plus étrangers à de nombreux présidents “normaux”.

Traduit à partir de l’article de Gabriel Quiroz

Cast & Crew:

Director: Santiago Mitre
Producers: Fernando Bovaira, Fernando Brom, Eduardo Castro, Leticia Cristi
Script: Mariano Llinás, Santiago Mitre
Actors: Ricardo Darín, Dolores Fonzi, José María Marcos, Erica Rivas
Music: Alberto Iglesias
Cinematography: Javier Julia
Editing: Nicolás Goldbart

Mais quel film ai-je vu ? Voici la question qui s’est posée (imposée ?) à moi à la sortie de Bienvenue à Suburbicon. On se retrouve avec deux films en un, en fait avec deux histoires en une. Difficile d’en parler sans spoiler. Disons que tout se passe à Suburbicon dans les années 50, une banlieue toute récente et parfaitement aseptisée.
Deux histoires bien différentes se déroulent dans deux pavillons mitoyens : un fait divers dramatique dans l’un alors que, juste à côté, vient d’emménager une famille afro américaine, certainement la première de la ville, ce qui déclenche la colère de centaines de personnes qui se retrouvent pour manifester devant cette maison. D’emblée on établit un parallèle, en s’attendant au fait que ces parallèles se croisent enfin. Et ce qui est impossible en mathématiques l’est aussi dans cette réalisation signée George Clooney (c’est aussi le premier film qu’il réalise sans se retrouver à la fois devant et derrière la caméra).
En fait l’histoire a été écrite par les frères Coen (en tout cas celle du « fait divers ») dans les années 90. George y a rajouté une histoire vraie, celle de cette famille afro américaine qui fut la première à s’installer à Levittown et ce qui a donné lieu au documentaire Crisis in Levittown, Pa (1957). Il s’est d’ailleurs largement inspiré de ce documentaire pour sa mise en scène. Malheureusement, la greffe ne prend pas et laisse l’impression d’un gâchis contre lequel ni Matt Damon ni Julianne Moore n’auront pu lutter.

Pour aller plus loin : le documentaire Crisis in Levittown, Pa

Sortie cette semaine du dernier film de Woody Allen Wonder Wheel. L’histoire  croise les trajectoires de quatre personnages, dans l’effervescence du parc d’attraction de Coney Island, dans les années 50 : Ginny, ex-actrice lunatique reconvertie serveuse ; Humpty, opérateur de manège marié à Ginny ; Mickey, séduisant maître-nageur aspirant à devenir dramaturge ; et Carolina, fille de Humpty longtemps disparue de la circulation qui se réfugie chez son père pour fuir les gangsters à ses trousses.

Ginny est le personnage central du film. Un rôle en or (au propre et au figuré avec la très belle et un brin nostalgique photographie dorée signée Vittorio Storaro) pour Kate Winslet qui donne une épaisseur désespérée (à moins que ce ne soit l’inverse) à son personnage d’actrice déchue.

C’est donc pour moi un film d’autant plus à voir que ce Wonder Wheel pourrait bien être le dernier film à sortir en salle de cette figure du cinéma d’auteur et du cinéma indépendant. Rattrapé par des accusations d’agressions sexuelles sur sa fille adoptive Dylan Farrow, Woody Allen (qui a d’ailleurs répondu par le biais d’une lettre ouverte en niant les faits et en accusant notamment le “clan Farrow” de profiter de l’actualité) pourrait avoir du mal à son prochain film A Rainy Day in New York (par ailleurs déjà tourné et lui aussi produit par Amazon), lequel film ne sortirait qu’en VOD fin 2018.

Ph.Mt.

Avec Pentagon Papers (The Post) Spielberg revient sur l’affaire qui a opposé la Maison blanche et la presse américaine avec en tête de pont The Washington Post. En jeu, la divulgation de documents secrets et la liberté de la presse, sans parler d’une touche de féminisme.

Serait-on revenu à cette détestable habitude de traduction débile des titres des films américains en français ? Après “Les panneaux de la vengeance” accolé à Three Billboards (la preuve flagrante que le traducteur n’a pas vu le film…) revoici le fameux “je traduis un titre en anglais par un autre titre en anglais”. Donc The Post (soit The Washington Post) est devenu Pentagon Papers.

Mais revenons à The Post, dernier opus de Steven Spielberg. Le réalisateur revient sur un fait historique, qui, sur fond de divulgation de documents secrets sur l’implication de l’Amérique et sa propre analyse de la guerre du Vietnam, voit s’affronter la Maison blanche (époque Nixon) et le grand quotidien américain. Le combat sur livre sur le terrain de la liberté de la presse et de la protection du secret des sources. À ceci s’ajoute un combat finalement très féministe, celui de la propriétaire (par héritage) du journal qui se retrouve tiraillée entre indépendance de la presse et contingences économiques, le tout dans un monde essentiellement masculin.

Avec Meryl Streep et Tom Hanks (sous la houlette donc de Spielberg) autant dire qu’on donne dans l’efficace d’un jeu à la perfection. Pour le reste, c’est assez classique avec les incontournables plans dans la salle des rotatives d’un journal (vous avez déjà vu un film sur un journal sans les “incontournables plans dans la salle des rotatives” ?). À noter évidemment, l’immanquable parallèle entre la presse et la Maison blanche et ses deux occupants, l’ancien, Nixon et l’actuel, Trump, tous deux dotés d’un sens très particulier de la liberté de la presse.

Philippe Mathieu

Pour aller plus loin :

• Un long article du Washington Post qui revenait sur les genèse de l’affaire.

Raymond Depardon plonge (à nouveau) dans le monde psychiatrique en prenant l’angle des hospitalisations sous contrainte et de la nécessité d’une décision de justice. Une plongée dans les abîmes de la folie.

« 12 jours », telle est la période maximale pendant laquelle une personne internée dans unhôpital psychiatrique doit être présentée à un juge des libertés et de la détention. Et ce dans le cadre d’une application d’une loi récente. Dans les faits les choses ont peu changé. Auparavant, seul un psychiatre décidait. Désormais c’est un juge qui le fait… en fonction des expertises psychiatriques.

« 12 jours » c’est aussi le titre du dernier film de Raymond Depardon. Ce grand défenseur du cinéma vérité a planté sa caméra dans le centre hospitalier lyonnais Le Vinatier. Défilent devant elle des malades et des juges pendant les audiences. Un champ contre-champ classique, très classique, au plus près des regards souvent fixes et des paroles parfois ralenties par les traitements.

Les audiences sont rythmées par « extérieurs » où l’on ne reprend qu’à peine son souffle. Non pas qu’il y ait de la violence dans les propos ou les actes mais parce que cette proximité (et l’irruption du monde du dehors avec des références à l’actualité ou au monde du travail) ne pas nous questionner sur cette frontière parfois si ténue entre la folie et « non-folie ».

Philippe Mathieu

Pour aller plus loin :

Télérama : “Cannes 2017 – “12 jours” de Raymond Depardon : un peu, beaucoup, à la folie”  Article complet